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jueves, 23 de mayo de 2013
Picasso sigue vivo...
El día de su
muerte, el 8 de abril del año 1973, la noticia cruza fronteras y circula a
través el mundo. Con él, un mundo se apaga. Criticado por números personas
estando él en vida, se contrapone a la construcción de instituciones que
contribuyeron en modificar la mirada de la gente sobre su obra. Hoy en día,
existe no menos de 7 museos en Europa que llevan su nombre (Paris, Antibes,
Vallauris, Barcelone, 2 en Málaga y Münster). El Museo Nacional de París
inaugurado en 1985 por el presidente François Mittérand es el museo más
importante con más de 5000 obras. La institución favorece la difusión de las
obras, organizando muchas exposiciones en todas partes del mundo. Así, la
excepcional colección del museo le concede un papel central a nivel
internacional tanto por la presentación de la obra del artista como por la
búsqueda relativa a su vida o a su obra y sobre el arte contemporáneo en
general. Está complementaría a la del Museu Picasso de Barcelona que conserva
la obra de juventud del pintor. Todos los archivos que conciernen el museo de
Paris permitieron reactivar las investigaciones en historia del arte sobre la
vida y la obra de Picasso. Los museos y las exposiciones (tal como “Le dernier Picasso” y “Picasso et les maîtres” en Paris) son
fuentes de informaciones y descubrimientos para quien se interesa por el
artista. Son los primeros contribuyentes en seguir viendo vivo al artista y su obra.
Sin ninguna
duda, Picasso, tras su muerte, sigue vivo y forma parte en la actualidad del
mundo del arte como si estuviera todavía vivo. En efecto, es un pintor tan
complejo, extraordinario y enigmático que será siempre el objeto de exposiciones,
de películas y otras formas de expresión.
Para mas informaciones :
Gilles
Plazy, Picasso,
Gallimard, Paris, 2006.
Picasso y Barcelona, deuda saldada
Mi última entrada la dedico a la serie de Imprescindibles que trata sobre Picasso
y Barcelona.
“Barcelona es donde empezó todo, allí
entendí hasta donde podía llegar”. Con estas palabras habla el creador de esta
ciudad, consciente de su deuda con ella.
A pesar de que el artista tras la Guerra Civil
no volvió a España si se hizo una exposición suya en Barcelona en 1960 de gran éxito.
En 1958 Picasso es un artista con
reconocida fama mundial pero en España, el régimen de Franco intenta ocultar
cualquier rastro del pintor malagueño. Joan y Miquel Gaspar, galeristas importantes
lo visitan en su residencia francesa para proponerle una exposición en la
capital catalana. Como consecuencia final de este acuerdo, se abre en marzo de
1963 el Museo Picasso de Barcelona.
Picasso debe mucho a esta ciudad catalana:
su primera exposición en solitario, Els IV Gats, el descubrimiento de los
placeres y del dolor extremo…experiencias que le sirven como aliciente en su
arte.
El exponer en España es un reto para el
artista; su arte, a pesar de ser vetado por el régimen, causa una gran expectación
entre el público, lo que causa una gran alegría a Picasso. No quiere volver a España
pero Barcelona admira su obra y por ello, en cierta forma vuelve al que fue su
hogar.
Picasso quiso devolver una parte de él a la Barcelona que tanto le había dado, y que
mejor ofrenda que una sección de su obra, y por lo tanto de su personalidad.
Para saber más...
Mi
siguiente entrada está dedicada a la web de Picasso
Administration que me parece imprescindible no sólo como fuente de recursos
para el estudio de Picasso sino también para conocer la situación actual de la
obra y las exposiciones del artista.
Uno
de los primeros apartados que nos llaman la atención cuando entramos en la web
es Ojo el journal donde se publican artículos en torno a la obra de Picasso
y novedades en cuanto a inauguración de exposiciones. En concreto, en el número
de marzo de este año, Conxita Boncompte Coll estudia el dibujo de Picasso Payesas de Andorra como una síntesis entre las vivencias previas
de Picasso antes de su viaje a Gósol en 1906 y sus experiencias vividas allí,
como el punto de partida que luego le permitirá a Picasso realizar Las Señoritas d'Avignon.
En el apartado
Derechos se especifica en qué
consiste La Succession Picasso, cómo
funciona y los trámites necesarios que se han de realizar para obtener la
autorización necesaria para poder reproducir las obras de Picasso.
Una
de las partes más interesantes de la web es la referida a Obras en ella encontramos la genealogía y biografía del artista,
así como un mapa donde se especifica los estudios o talleres del artista en
diversos países de Europa, acompañado de una breve información al respecto
.
También
destaca El Blog Atmosférico. Aunque,
en este caso, el contenido sólo está disponible en francés, es interesante ya
que actúa como medio de difusión de breves noticias referidas a la obra de
Picasso. El Blog está dividido por temáticas: obras, escultura, pequeñas historias (anécdotas de la vida de Picasso;), comprender la pintura (donde se hace
referencia a publicaciones sobre la obra de Picasso), Picasso y los Maestros, el
Museo Picasso de París y exposiciones. Por ejemplo, en septiembre de 2011, se
hicieron eco de la polémica en torno a la instalación del Guernica en el País
Vasco e informaron sobre la inauguración de la exposición en el Museo Jacques
Chirac de Sarran (Corrèze) de 42 estudios preparatorios del Guernica.
Otro
de los apartados imprescindibles es Ver y
saber donde la web proporciona información actualizada sobre las distintas
exposiciones de la obra de Picasso en el mundo, por países y por fechas.
También hacen una selección de todos los museos que cuentan con obra del pintor
malagueño, una selección de bibliografía básica sobre la vida y obra del
artista, anuncian subastas y una serie de recursos entre los que me interesa
destacar la Agence photographique[1],
que cuenta con un catálogo online de imágenes de obras de arte conservadas en
los museos nacionales y regionales franceses.
Por
último, cabe destacar Los archivos
donde se recogen una serie de vídeos creados con motivo de la inauguración de
algunas exposiciones y artículos que publican investigadores en torno a
Picasso. Además también se recoge un apartado en el que se relatan anécdotas de
la biografía de Picasso.
Espero
que este breve recorrido a través de los contenidos de la web Picasso Administration os anime a
profundizar en ella y a utilizar algunos de los múltiples recursos que ponen al
alcance de todos.
Microcosmos en el Taller del Artista
Es ya sabido por todos y más a lo largo de este curso las numerosas obras
que el artista fue realizando a lo largo de toda su vida, pero en ocasiones se
dejan de lado otras cuestiones, ¿cuál fue realmente el lugar en el que el “monstruo”
se enfrentaba a sus fieras?, ¿dónde creaba y manufacturaba sus obras?,
¿construyó un espacio de trabajo propio, él se identificaba realmente con su
taller?
Las casas de los artistas nos hacen plantearnos y reflexionar sobre una
cuestión de identidad, entendidas muchas veces como autorretratos de aquéllos,
es la convicción de que la arquitectura, sus espacios y lenguajes y, sobre
todo, sus contenidos, explican o pueden ayudar a explicar las poéticas del habitar
y las maneras, lenguajes y obras de sus habitantes.
Los artistas, han hecho de sus casas y estudios, de sus rincones, lugares
íntimos, autorretratos de sus formas de entender el mundo, de proyectarlo o
destruirlo. Además, la propia arquitectura y distribución de esas casas, su
disposición y lugares, elevados o escondidos, cotidianos o alterados,
extraviados o convencionales, se han ofrecido en numerosas ocasiones como
retratos o autorretratos no sólo individuales o autobiográficos, espejos del
alma de sus ocupantes, sino también como formas de representación o autorrepresentación
social y ética.
En este sentido, Picasso desdibujó en numerosas ocasiones su casa, su hogar, ¿pero qué casa, qué taller? Picasso cambió de domicilio en numerosas ocasiones, de ciudad, de país, pero con un espíritu camaleónico demostró adaptarse con facilidad a los diversos ambientes, pasando en todos esos lugares horas y horas soñando, interpretando, creando. Pervirtiéndose con diferentes materiales y técnicas, maltratándolas y vendiéndolas a un buen precio, reinventándose para sobrevivir.
A la hora de
contemplar las fotografías que nos han llegado del artista pintando, moldeando
o construyendo simplemente, podemos observar la disposición de los lienzos, de
las cerámicas, del espacio en general, el cual le dejaba moverse con total
libertad pero que a la vez acumulaba y esparcía, exponiendo incluso una serie
de objetos de tiempos pasados. Este hecho nos habla de igual modo de su método
de trabajar, es decir, Picasso pintó siempre con libertad, escogiendo y
deshaciéndose de estilos y etapas y haciendo igualmente un guiño a
acontecimientos y momentos pasados.«Allá donde se encuentre, Picasso vive una vida increíblemente sencilla inmerso en un increíble caos de objetos. Todos ellos son tesoros multicolores, armoniosos, chic, pobres, entrañables u olvidados. Comparten el mismo espacio obras maestras y desechos, que en sus manos se convertirán en nuevas obras maestras. Hierros oxidados, cascotes y huesos aguardan su momento de gloria.» Con estas palabras describía Lee Miller el taller de Picasso, La Californie, Cannes, en torno a 1957. Fue ella a través de un cuidado y estudio fotográfico la que nos ha desvelado el Picasso más privado, tal y como pudimos disfrutar en la exposición de Picasso en Privaso del Museu Picasso de Barcelona en el año 2007.
No cabe duda que en estos pequeños universos se forjaron numerosas
microhistorias que han hecho cuestionar hoy en día el poder de las metanarrativas imperantes, generando de este
modo nuevos modelos tanto de inclusión
en la comunidad artística como alternativas en las formas de entender y
representar desde el ámbito del dibujo contemporáneo los conceptos del habitar.
Sin ninguna duda, la inspiración para publicar esta entrada se ha debido
tras mi asistencia al interesante Seminario de Habitar en las Artes - Casas de
artistas que se celebró el 13 y 14 de mayo de este mes en la Facultad de
Geografía e Historia (UCM) y dirigido y coordinado por el prof. Dr. Delfín
Rodríguez Ruíz.
Para saber un poquito más…
MILLER, Lee, Picasso himself, Londres, 1960
Máscara- personaje/ identidad- maquillaje
En esta
entrada veremos una forma distinta a la de Picasso de construir una máscara. Analizamos
por lo tanto a la artista fallecida Maruja Mallo (Lugo 1902-Madrid 1995). Esta pintora
conforma la antítesis de Picasso; mujer liberada, feminista, trotskista pero
anticomunista debido al régimen estalinista, comprometida con la causa
republicana.
Como vemos de
su personalidad, poco guarda en común con el pintor malagueño, machista y
comunista oportunista, estableciendo como lazo común su rechazo al fascismo y
su vocación de artistas.
Mallo, a
diferencia de Picasso, volvió a España con la democracia y con ansias de
cambio, a un país que la tenía olvidada por lo que tuvo que hacerse un hueco en
el panorama mediático y artístico para salir adelante. De una de sus
entrevistas extraemos el fragmento para esta entrada:
Personalidad fuerte y peculiar, (Antonio Bonet la compara con Gertrude Stein en su modo de hablar), vemos como se construye su propia máscara en este caso física que esconde el personaje real, juega entre el personaje y su obra. Transporta los personajes de sus verbenas a su propia figura, acentuando sus facciones para potenciar la construcción de su personaje.
Del mismo modo
que Mallo comenzaba su “función” cuando se maquillaba, podríamos decir que Picasso
tenía este maquillaje siempre puesto, grabado en la piel, para no dar ningún paso
sin su análisis mediático. Una forma más sutil pero también evidente de la
elaboración de un pastiche de los medios de comunicación y por lo tanto
industrializado.
El mito Picasso en el cine y
televisión
Siguiendo la huella de la adaptación a la televisión que en 1988 Jean-Cristophe Averty hizo la de obra teatral de la que hablé en mi anterior entrada, esta vez voy a hablar de la relación entre Picasso y el que fuera nuevo invento en su tiempo: la cinematografía. Vamos a comprobar las influencias entre uno y otro y como esta ayuda a la creación del mito Picasso.
La estela de Picasso y su figura ha sido muy utilizada en este arte no sólo una vez Pablo murió en 1973, sino también mientras vivía y producía de una forma vertiginosa. Siendo él el protagonista, se han producido numerosos documentales para descifrar su vida y su obra.
Centrándonos en su obra, uno de los documentales más importantes que hay es el ya varias veces nombrado “Misterio Picasso”. Este es un documental de 1956 donde Henri George Clouzet, ayudado en el guion por el propio Picasso, nos introduce en el proceso creativo de algunas obras creadas por el artista. Así se pudo por primera vez ver como las creaba, pero fue todo una máscara bien pensada por Picasso ya que luego él mismo destruyó esas obras.
Pero hay una de sus obras que destaca sobre las demás a la hora de pasar por la pequeña y la gran pantalla. Esta obra es como no, El Guernica. Muchos son los rodajes que se han realizado para intentar explicar la propia obra o sus influencias cinematográficas, pero para acrecentar el mito ya creado sobre esta y sobre su autor, el cine ha intentado “robar” la obra del Museo Reina Sofía, como se ve en la película: “El robo más grande jamás contado” (2002) de Daniel Monzón. Hablando de robar obras, recientemente se estrenó “La Banda Picasso” (2012) de Fernando Colomo que nos habla del supuesto robo de la Gioconda por parte de Picasso en 1911. Con esto, que ahora se sabe que es falso, se asocia directamente a Picasso con toda el aura que hay alrededor de este hecho en la actualidad; consiguiendo así de nuevo que el mito del artista se acreciente.
La estela de Picasso y su figura ha sido muy utilizada en este arte no sólo una vez Pablo murió en 1973, sino también mientras vivía y producía de una forma vertiginosa. Siendo él el protagonista, se han producido numerosos documentales para descifrar su vida y su obra.
Centrándonos en su obra, uno de los documentales más importantes que hay es el ya varias veces nombrado “Misterio Picasso”. Este es un documental de 1956 donde Henri George Clouzet, ayudado en el guion por el propio Picasso, nos introduce en el proceso creativo de algunas obras creadas por el artista. Así se pudo por primera vez ver como las creaba, pero fue todo una máscara bien pensada por Picasso ya que luego él mismo destruyó esas obras.
Pero hay una de sus obras que destaca sobre las demás a la hora de pasar por la pequeña y la gran pantalla. Esta obra es como no, El Guernica. Muchos son los rodajes que se han realizado para intentar explicar la propia obra o sus influencias cinematográficas, pero para acrecentar el mito ya creado sobre esta y sobre su autor, el cine ha intentado “robar” la obra del Museo Reina Sofía, como se ve en la película: “El robo más grande jamás contado” (2002) de Daniel Monzón. Hablando de robar obras, recientemente se estrenó “La Banda Picasso” (2012) de Fernando Colomo que nos habla del supuesto robo de la Gioconda por parte de Picasso en 1911. Con esto, que ahora se sabe que es falso, se asocia directamente a Picasso con toda el aura que hay alrededor de este hecho en la actualidad; consiguiendo así de nuevo que el mito del artista se acreciente.
Son
también numerosas las películas referentes a periodos de su producción. El
periodo artístico Picassiano que más ha influenciado al cine y viceversa es el
cubismo. Al igual que con el Guernica, se nos ha intentado explicar lo que
supuso para la historia del Arte esta Vanguardia o las posibles influencias
cinematográficas que Picasso tuvo a la hora de hacer sus cuadros de este
periodo. En la Galerie Pace Wildenstein de Nueva York se realizó en 2007 la
exposición: “Picasso Braque y el cine
antiguo en el cubismo” donde se resumió de una genial forma las influencias
recíprocas entre estos dos autores cubistas, sus obras y el cine. También
debemos citar en la relación entre el cine y el cubismo a Charles Chaplin,
quien con sus películas influyó en las obras de Picasso; o la siempre estrecha
“colaboración” que hay entre el surrealismo y el cine.
Pero para poder ver la realidad Picassiana en
toda su extensión, no podrían faltar las películas referentes a su vida; las
biográficas. Estas, se han llegado a producir en gran cantidad y nos ayudan a
acercarnos a su complicada vida. Destacar que empezaron a surgir al poco tiempo
de su muerte, por lo que se puede llegar a decir que el mito del artista ya
estaba creado al poco tiempo de morir en 1973, llegando este mito todavía hasta
nuestros días. 
Finalmente
cabe reseñar las producciones a propósito de la relación de Picasso con las
mujeres, donde se nos hace ver la cruda realidad de cómo este las trataba; de
una forma misógina y sin respeto. Este aspecto se puede ver en “Sobrevivir a Picasso” (1966) de James
Ivory; película basada en las memorias de François Gilot, amante de Picasso. En
este film también habrá una parte dedicada a su trato con los galeristas.
Finalmente
cabe reseñar las producciones a propósito de la relación de Picasso con las
mujeres, donde se nos hace ver la cruda realidad de cómo este las trataba; de
una forma misógina y sin respeto. Este aspecto se puede ver en “Sobrevivir a Picasso” (1966) de James
Ivory; película basada en las memorias de François Gilot, amante de Picasso. En
este film también habrá una parte dedicada a su trato con los galeristas.
Como
hemos podido ver, el cine y los documentales han ayudado a continuar con el
mito creado alrededor del artista y de sus obras y otras veces, han
desenmascarado realidades sobre su comportamiento y figura.
Picasso frente a la cámara
En
ocasiones anteriores hemos hablado de cómo el automatismo y la improvisación
son características básicas de la imagen de genio creador construida en torno a
la figura de Picasso. Características que conocemos gracias a testimonios de
sus contemporáneos y, sobre todo, gracias a las fuentes gráficas que
conservamos. Entre éstas destaca la película documental El Misterio Picasso, rodada en 1956 por el director francés
Henri-Georges Clouzot, una de las pocas ocasiones en las que artista malagueño
se puso delante de una cámara.
El
documental se plantea como un intento de descubrir cómo se desarrolla el
proceso creativo del artista, la evolución de la obra hasta alcanzar su versión
final. Como hemos ido estudiando a lo largo de este blog, Picasso controlaba
hasta el detalle la construcción de su imagen pública y este documental le
permitió profundizar en algunas de esas cualidades que potenciaba.
Aparece
el artista en su taller, a oscuras, ante sus obras, con una luz tenue que
incide en la superficie de la obra mientras que mantiene a la figura del pintor
en semipenumbra. En algunas ocasiones, no sólo relega la figura del creador a
un segundo plano sino que la elimina casi completamente. A través de ese juego
de la transparencia la obra parece surgir de forma independiente, por sí misma.
En
ese juego de creación pictórica, el pintor aparece sentado en el suelo,
semidesnudo, con las piernas cruzadas… haciendo clara referencia a esa noción
del artista como chamán, como ejecutor de un ritual de naturaleza mágica y
misteriosa. La cámara, y con ella el espectador, penetran en la cueva del
artista que les muestra los secretos de su arte. La estética del “documental”,
incluso su propia caracterización como documental, está muy cuidada y pretende
transmitir una imagen clara de cómo trabaja y cómo se concibe la noción de
genio.
Picasso
se divierte modificando su obra conforme se materializa, como si él mismo se
tratara de un simple canalizador. Mantiene la atención del público realizando
cambios inesperados que hablan de un final incierto, imágenes que se superponen
para crear otras distintas en una evolución infinita que sólo el pintor es
capaz de concretar. A este respecto me parece imprescindible destacar la última
obra que realiza en el documental donde juega con las variaciones dentro de la
obra, la modifica, introduce el collage, lo elimina… hasta
que descubre una composición que le satisface y entonces declara: “Ahora que ya
sé, más o menos, donde estoy, cojo un lienzo nuevo y empiezo de nuevo” (video 4).[1]
A
este respecto, me ha parecido interesante comparar el documental con un
extracto del documental que François Campaux realizó sobre Matisse en 1946. Mientras
que Picasso se convierte en el ideal de genio creador, con un fuerte carácter,
impetuoso, impredecible… Matisse se retrata como el ideal de pintor reflexivo,
sus pinceladas son rápidas pero fruto de una intensa reflexión previa. En
algunas de las fotos que se conservan del taller de Matisse podemos ver cómo
para alcanzar esa síntesis de sensaciones, esa expresión del espíritu interior
del artista. Matisse dibuja, coloca los modelos en la pared, los contempla
directamente, a través de un espejo y, a través de toda esa reflexión llega a
una conclusión. 
Es
una imagen muy diferente de la del "genio" creador en Picasso, donde la
reflexión forma parte del proceso
práctico de creación, convive con la intuición y la improvisación. Quizás ese
fuera el motivo que le llevó a no plasmar en palabras lo que quería decir con
su pintura, ese temor de que al expresarlo por medio de la palabra perdiera una
parte de ese aura mágico e inexplicable que le rodea.
[1] Podéis consultar algunos fragmentos de El Misterio Picasso y del documental de François Campaux sobre Matisse en el apartado “Picasso en video” del blog.
miércoles, 22 de mayo de 2013
Arte comestible
Bienvenidos una semana más al blog artístico de cocina vegetariana Vegeart. Esta semana vamos a elaborar un cuadro de Picasso, Mujer con boina y vestido de cuadros de 1937.
Tiempo de preparación: 3 horas
(es un cuadro con muchos detalles)
Para ello necesitamos:
2 rebanadas de pan de molde y 2 de hamburguesa
1 manojo de espárragos trigueros
1 pimiento rojo, 1 verde y 1 amarillo
1 berenjena
1 huevo cocido
4 tranchetes de queso
2 zanahorias
3 mazorquitas
2 aceitunas negras
1 remolacha grande
Preparación: se corta en juliana y se hacen a la plancha todas las
verduras, excepto la berenjena que se emplea para la sombra de la cara cortando
una parte en tiras anchas.
Se recorta el pan con la forma de la figura (para ello nos ayudamos de
un papel calco con la obra). A continuación se colocan los tranchetes siguiendo
la forma del pan y poco a poco se van añadiendo las verduras con la forma que
tiene en el cuadro. Es recomendable tener el modelo cerca para saber donde va
cada elemento.
Por último, nos ocupamos de los detalles más pequeños con las
aceitunas y el huevo cocido. Añadimos el fondo con rodajas finas de remolacha.
Bon appétit!
¡Un momento!¡Esto no es un blog de cocina, sino de
arte!
En esta entrada quería abordar el tema de la
mercantilización del arte y de cómo cambia su concepción primigenia al
descontextualizarlo.
Durante el curso hemos analizado el Guernica y de
como este mural (que no cuadro) ha perdido su significación original
estrictamente política para convertirse, hoy en día, en un objeto más de la
mercantilización del arte, al poder comprarlo impreso en una camiseta o en un
imán para nevera.
De este modo, toda obra de Picasso, al ser un mito,
es susceptible de ser mercantilizada. Mediante el experimento de convertir este
retrato en una receta culinaria, hemos cambiado el concepto de este cuadro,
contribuyendo a su reproducción sin significado alguno.
Este lienzo fue realizado en 1937, el mismo año que
el Guernica. Época convulsa, en la que España estaba inmersa en su Guerra Civil
y el antisemitismo nazi crecía por momentos en Europa. Con la cotidiana presión
de los acontecimientos sobre el individuo, la forma se convierte para Picasso
en arte de la resistencia.
Es un momento complicado para el artista también a
nivel personal; su relación con Marie-Thérèse Walter se encuentra en crisis, lo
que refleja en sus obras.
Como vemos, son muchos los factores negativos que
influyen en este periodo del artista, lo que dan a la obra una significación
concreta, fruto del panorama político-social existente y de su complicada
situación personal. Al hacer de este
lienzo una receta de cocina, le estoy despojando de todos estos elementos que
son los que han conformado el cuadro, convirtiéndola en una imagen vacía,
sujeta a la mercantilización y banalización del arte.
Con esta reflexión no pretendo criticar cualquier tipo
de reproducción artística, sólo es un ejemplo distinto para comprobar cuantos
métodos existen para retirar a una obra su carácter primigenio, siendo la
producción de Picasso más sensible que otras al conformar un mito construido.
martes, 21 de mayo de 2013
Picasso y “Lé Désir attrapé par la queue”
El teatro fue sobre todo desde el siglo XVII, una manera diferente y subjetiva de expresar la realidad. Sabiendo esto, no es raro pensar que Picasso escribiera una obra teatral para enmascarar la realidad que en esos tiempos se estaba viviendo en el París de los años 40.
“El Deseo atrapado por la cola” o “Le Désir attrapé par la queue”, como originalmente nombró Picasso a su obra, fue escrita entre el Martes 14 de Enero de 1941 y el 17 del mismo mes en un París bajo la ocupación Nazi acaecida entre Mayo de 1940 y Diciembre de 1944. Este hecho histórico fue la mayor influencia del artista para crear su obra, ya que el tema principal de la obra, organizada en 6 actos, era una farsa surrealista y delirante sobre la ocupación Alemana y sobre las situaciones de penuria que generalmente ocasionaban los episodios bélicos en los civiles; como los sufridos también durante la Guerra Civil Española. Otro tema que Picasso quiso reflejar en la obra eran los amores y desamores de las personas; tema que seguía la propia biografía de Picasso que en esos momentos estaba empezando a apartar a Dora Maar de su vida. Como dato, cabe destacar que estéticamente la obra surrealista no gustó a Gertrude Stein, galerista cubista de Picasso, la cual expresó su indignación ante la misma.
Pero lejos de ser representada inmediatamente después de su creación, esto no se produjo hasta el 19 de Marzo de 1944 en la casa de la familia Leiris, amigos estos del malagueño. Este hecho se pudo deber a múltiples circunstancias, pero en ese mes y año, la ocupación estaba próxima a su fin gracias al desembarco de los aliados por lo que su puesta en escena ante múltiples personas importantes de la vida política y social francesa, sirvió para satirizar la ocupación y dar énfasis al fin de esta.
Entre los actores y el público que asistieron a esta representación, precedida de numerosos ensayos previos, estaban como he dicho, personajes importantes de la vida pública francesa de ese tiempo. La gran mayoría de ellos eran miembros del partido comunista Francés, aunque también había algunos filósofos y escritores, como los que formaban parte de la revista clandestina “Lettres Françaises” y editores que ayudaban a publicar la literatura anti fascista creada en estos años de guerra. Entre el primer grupo podríamos subrayar a Paul Éluard, George Huguet o Jacques Lacan y en el segundo a filósofos como Sartre. Destacaba entre los editores Jean Aubier. Entre este selecto público asistente también se podían ver las caras de algunos miembros del Musée de l’homme de Trocadero, personas y sitio de máxima importancia para su etapa cubista, y amigos de Picasso como Braque, Henri Michaux o María Casares.
Pero entre estos asistentes sobresalieron 3 personas. La primera de ellas, Max Jacob, por su ausencia. Este escritor, amigo íntimo de los primeros años de Picasso en Paris, murió en el campo de concentración de Drancy tan solo dos semanas antes de la representación de la obra y a él quiso dedicarle Picasso la primera puesta en escena colocando un retrato suyo en la chimenea de la habitación donde se estaba realizando la obra. La segunda persona fue el filósofo Albert Camus, escritor en “Lettres Françaises”, que se encargó de dirigir la obra.
La tercera persona a destacar fue, como no, un fotógrafo. Brassaï fue el que se encargó de realizar el reportaje fotográfico de los participantes y espectadores para su posterior publicación y con ello, su repercusión política y social. En la foto, datada del 16 de Junio de 1944 en el estudio del artista; en el número 7 de la rue des Grands Augustins, se encuentran de pie y de izquierda a derecha: Lacan, Cécile Eluard, Pierre Reverdy, Louise Leiris, Zanie Campan, Pablo Picasso, Valentine Hugo y Simone de Beauvoir. Sentados y de izquierda a derecha: Sartre, Camus, Michel Leiris y Jean Aubier.
En 1945, al librarse París de la ocupación Alemana, Picasso decidió imprimir una edición facsimilar en la editorial Galimard; edición que tuvo mucho éxito y con la que se expandió su obra al resto del mundo. Gracias a esta, la obra se representó en inglés y en el ICA de Londres en 1950 y cuatro años más tarde en Nueva York. Además se tradujo la obra al alemán y al búlgaro y se adaptó en 1988 para la televisión francesa. Más recientemente en el 2009 hubo una exposición en el círculo de Bellas Artes de Madrid, cuyo catálogo se puede consultar para obtener más información.
En 1945, al librarse París de la ocupación Alemana, Picasso decidió imprimir una edición facsimilar en la editorial Galimard; edición que tuvo mucho éxito y con la que se expandió su obra al resto del mundo. Gracias a esta, la obra se representó en inglés y en el ICA de Londres en 1950 y cuatro años más tarde en Nueva York. Además se tradujo la obra al alemán y al búlgaro y se adaptó en 1988 para la televisión francesa. Más recientemente en el 2009 hubo una exposición en el círculo de Bellas Artes de Madrid, cuyo catálogo se puede consultar para obtener más información.
lunes, 20 de mayo de 2013
Reflexionemos sobre la construcción del mito y sus agentes externos en clave femenina
Un mito… ¿cómo
se construye un mito? ¿Acaso es sólo cuestión del mismo o hay agentes externos
que contribuyen a esa construcción? Indudablemente esta concepción no existe sin
un “Otro”, que en realidad son muchos otros que contribuyen a ello. Nosotros
somos “otros” al tratar en este caso el Mito Picasso, porque si no hablásemos
de él, no sería un mito, caería en el olvido.
En
esta entrada quiero reflexionar sobre la cuestión del “Otro”, o más bien de la
“Otra”, y es que Picasso sin sus mujeres no sería un mito, aunque le pesara. El
problema radica en este uso de la otra, en un segundo plano, dejado de lado,
problema inherente en la mujer a lo largo de su historia. Dejemos por un
momento la figura de Picasso, para verlo con otra perspectiva abordando a una
artista, en este acaso Frida Kahlo.Frida Kahlo
Frida, pintora
mexicana, cuyo arte empezó a ser realmente valorado a partir de 1970, dos décadas después de su muerte. Su figura
ha sido eternamente ligada a la de su marido y también pintor, Diego Rivera,
hasta el punto de que cuando buscamos imágenes de la artista, la tercera
búsqueda relacionada en la web es “Frida Kahlo cuadros”, pero la primera es
ocupada por “Frida Kahlo Diego”. Lo
mismo ocurre si buscamos información en la famosa enciclopedia web “Wikipedia”;
seguido de su oficio como pintora, las siguientes frases se ocupan sobre su
vida personal que adjunto a continuación:
“Casada con el célebre muralista mexicano Diego Rivera, su vida
estuvo cruzada por el infortunio de una enfermedad infantil y por un grave
accidente en su juventud que la mantuvo postrada durante largos periodos,
llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas. Llevó una vida poco
convencional, fue bisexual y entre sus amantes estuvo León Trotski. Su obra
pictórica gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento.
Pintó unas 200 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus
dificultades por sobrevivir. La obra de Kahlo está influenciada por su esposo
el reconocido pintor Diego Rivera, con el que compartió su gusto por el arte
popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del
periodo post-revolucionario.”
No es que esté
dando como única fuente de información y exquisitamente académica a Wikipedia,
pero sí nos sirve para hacernos una idea de la concepción que se tiene de la
artista en este caso y del resto de mujeres artistas. No olvidemos que esta web
es la más visitada de internet para buscar información y, por lo tanto, su
repercusión en la sociedad es indudable.
Como vemos,
parece que la obra de Frida se determina por la figura de su marido y sus circunstancias
personales, no por sí misma.
Comparemos
ahora la información relativa a Diego Rivera:
“fue un
destacado muralista mexicano de ideología comunista, famoso por plasmar obras
de alto contenido social en edificios públicos. Fue creador de diversos murales
en distintos puntos del centro histórico de la Ciudad de México, así como en la
Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, y en otras ciudades mexicanas como
Cuernavaca y Acapulco, así también algunas otras del extranjero como San
Francisco, Detroit y Nueva York.”
¿Acaso vemos
alguna alusión a su vida personal o a Frida? En absoluto. ¿Por qué la obra de
ella tiene que estar influenciada por su marido y esto no es reciproco?
Analicemos
ahora mi propio lenguaje: en un primer momento me he referido a Pablo Picasso
por su apellido, pero sin embargo a Frida Kahlo la he citado con únicamente su
nombre. No es el único ejemplo, pensemos en como nos referimos a Diego
Velázquez, Salvador Dalí y como nos referimos a Remedios Varo, Ángeles Santos y
Maruja Mallo, en el caso de esta última
artista en su biografía siempre se incide en su relación con Alberti pero al
analizar la biografía del poeta su relación carece de relevancia.
El problema radica
en que simplemente no nos damos cuenta de esto. Es hora de dar un giro a
nuestras concepciones y de dar a las mujeres el papel que han tenido en la
historia, en este caso la historia del arte.
(Soy
consciente del blog de las compañeras “Ellas sin Picasso”, pero me parecía
relevante hacer una mención especial a su papel en la construcción de mito y el
papel atribuido a las mujeres en el arte)
Picasso News
Hoy en día, la vida y sobretodo la producción artística de nuestro artista
malagueño es conocida en cualquier rincón de los cinco continentes, siendo
miles las copias que podemos encontrar repartidas por las principales ciudades
predominantes en el panorama del arte contemporáneo. Así como centenares de
libros publicados, inventarios y catálogos de exposiciones, sin olvidar las
fotografías que retratan y captan peculiares e íntimos pasajes de la vida de
Picasso, tal y como hemos visto en antiguas entradas ya publicadas por parte de
mis compañeros. Pero, ¿cómo en cuestión se ha fraguado este éxito a lo largo
del tiempo?, ¿fue igual en vida?, y ¿de qué modo se ha mitificado?
Para responder estas preguntas debemos remitirnos a las fuentes, y porque no
a la prensa escrita, fuente documental que en algunas ocasiones es olvidada en
la historiografía moderna. En esta entrada y de forma muy significativa quiero
dejar constancia de la aparición y presencia de Pablo Picasso en los medios de
comunicación de masas, ya no solo a nivel nacional sino también internacional,
queriendo de esta manera reflejar la proyección de su figura hacia la cima de
un arte de vanguardia.
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Uno de los ejemplos más significantes y que más ha suscitado mi atención,
ha sido uno de los artículos realizados en el Life Magazine. El fotógrafo
Robert Capa visitó el 2 de Septiembre de 1944 a Picasso, dos semanas después de
la Liberación, en su estudio en París. En
el artículo se afirma que Picasso abría su estudio al público todos los días a
las 11 de la mañana, siendo visitado por amantes del arte y por leales soldados
españoles que apoyaban al ejército de la Francia Libre.
Por otro lado la revista LOOK es una publicación bimestral, de gran circulación,
publicando en los Estados Unidos desde 1937 hasta 1971, el contenido se centra
más en las fotografías de los artículos. En este caso Capa fotografió a
Picasso, a su esposa Françoise Gilot y a su hijo Claude en la casa de la playa
de Golfe-Juan, en agosto de 1948. El artículo que fue publicado en 1949 consta
de 15 imágenes también estando presente la figura del fotógrafo húngaro Robert
Capa. En dicho escrito no queda duda la intención que se quiere reflejar,
otorgando al artista un carácter de hombre familiar y paternalista responsable
que compatibiliza sus vacaciones de verano con su insaciable producción
artística.
Posteriormente
y dando un repaso a la hemeroteca he hallado uno de los últimos reportajes
escritos mientras Picasso estaba en vida. Se trata de una retrospectiva de toda su obra y el estado en el que se
encontraba en ese momento el artista. Fue publicado en el año 1971, dos años
antes de su fallecimiento, por Henry Miller, uno de los biógrafos que han
determinado la trayectoria artística en el mercado del arte de nuestro
protagonista. En ella aparecen curiosas
instantáneas en el que ya el maestro se encuentra desgastado pero que sigue
manteniendo su mirada enigmática, una máscara añadida hasta el día de su
muerte.
Es obvio con estos tres ejemplos que la proyección al estrellato de sus
obras fue acusado ya en su madurez pero que continuó hasta el final,
perviviendo incluso hoy en día hasta nuestros días en diversas publicaciones y
artículos, pero en este sentido están más relacionados con futuras exposiciones
picassianas que con aspectos de su vida y obra. La prensa de este modo se
convirtió para Picasso en un aliado incomparable en el marco internacional.
sábado, 18 de mayo de 2013
"Cézanne, mi solo y único maestro"
“¡Si
conoceré yo a Cézanne! ¡Ha sido mi solo y único maestro! Aciertan ustedes si
piensan que he analizado a fondo sus lienzos… He pasado años estudiándolos…
¡Cézanne! Era como el padre de todos nosotros. El era quien nos protegía…”[1]
Con esa convicción expresaba Picasso el profundo vínculo que compartía con el
pintor francés cuya fama y prestigio había aumentado progresivamente en los
años posteriores a su muerte.
Aunque
antes de su muerte a Cézanne ya se le adjudicó una sala de exposición propia en
el Salón de Otoño de 1905, fue tras su
fallecimiento en 1906 cuando se empezó a valorar su obra. Su primera exposición
individual se produjo ese mismo año, en la Galería Bernheim Jeune, y en el
Salón de Otoño de 1907 tuvo lugar una gran retrospectiva, que coincidió con la
publicación de su correspondencia con Émile Bernard.
Desde esos
primeros momentos, se hace evidente el deseo que Picasso mantuvo durante toda
su vida de vincularse al artista francés. Incluso intentó, en numerosas
ocasiones, lograr la aprobación de Ambroise Vollard, quien había sido galerista
de Cézanne.
Picasso
siempre creyó mantener una profunda conexión con el maestro francés, conexión que
iniciaba con la identificación de sus propios nombres. Picasso convirtió a
Cézanne en su maestro, en una figura paternalista que, a través de su propia
experimentación, habría iniciado el cambio hacia una nueva experiencia
estética. Vinculándose a Cézanne, Picasso intentaba introducirse dentro de la
estela cezanniana y encontrar un punto de apoyo a partir del cual desarrollar
su propia experimentación.
Cézanne organiza la composición
de sus cuadros creando una perspectiva ambigua, lo que Merleau-Ponty denomina la
“perspectiva vivida”, real, que cambia cuando el ángulo de visión del
espectador varía. De esta forma, Cézanne eliminaba la noción tradicional de la
perspectiva única y plasmaba “la suma de perspectivas de una escena que se
habían acumulado en su subconsciente durante mucho tiempo”. En el caso del Picasso
cubista, ese distanciamiento con respecto a la perspectiva única, le lleva a
desarrollar la simultaneidad espacial que no es sino un paso más en la
representación de la realidad.
En ese sentido, Picasso y Cézanne también comparten ciertas similitudes con respecto a su concepción de la pintura y, sobre todo, con respecto a su valoración de la actividad pictórica. Ambos artistas juegan con la idea del pintor como creador solitario, prefieren el diálogo directo y privado con la obra. Es conocido que Cézanne no permitía a nadie el acceso a su taller mientras pintaba y Picasso va a adoptar ciertos rasgos de ese ritual de la creación pictórica.
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| Picasso, Composición con calavera, 1908 |
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| Cézanne, Naturaleza muerta con cráneo, 1896-98 |
En ese sentido, Picasso y Cézanne también comparten ciertas similitudes con respecto a su concepción de la pintura y, sobre todo, con respecto a su valoración de la actividad pictórica. Ambos artistas juegan con la idea del pintor como creador solitario, prefieren el diálogo directo y privado con la obra. Es conocido que Cézanne no permitía a nadie el acceso a su taller mientras pintaba y Picasso va a adoptar ciertos rasgos de ese ritual de la creación pictórica.
Pese
a sus similitudes, mientras que Cézanne empleaba una forma de trabajar más
reflexiva y pausada, Picasso siempre prefirió la espontaneidad, la inmediatez y
la improvisación, nociones que se reforzaron en sus relaciones con el
Surrealismo. Cézanne era un pintor reflexivo, tardaba numerosos días en
finalizar sus cuadros, su proceso de creación era tan pausado que en muchas
ocasiones, mientras pintaba, presenciaba la putrefacción de la fruta que
empleaba en sus bodegones. En Picasso siempre está presente la idea de
improvisación, de cambio. La obra cambia conforme la ejecuta, tal y como se
puede observar claramente en las fotografías que documentan la creación del
Guernica. En ese caso, el pintor introduce modificaciones sobre el mismo mural,
modificaciones que hablan de una obra en constante movimiento, en constante
cambio, en constante evolución.
En
conclusión, pese a sus diferencias, es evidente que Picasso admiró siempre la
obra de Cézanne e intentó adoptar el papel de sucesor del gran maestro francés.
No podemos saber si fue fruto de su deseo de aprovechar la estela de Cézanne para lanzar su propia carrera artística o fruto de una sincera
admiración por el artista francés, seguramente ambas opciones tuvieron un peso
importante en la decisión de Picasso de mantenerse siempre tan cercano a la
figura de Cézanne.
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